Si pensabas que lo habías visto todo en historias de revancha, la llegada de «Motor City» promete cambiar las reglas del juego. Esta superproducción no solo trae de vuelta a un desatado Alan Ritchson en su versión más física y visceral, sino que lo hace mediante un experimento formal absolutamente audaz: contar un thriller de venganza ultraviolento, ambientado en el Detroit de los años 70, prescindiendo casi por completo de los diálogos hablados. Aquí no hay discursos interminables ni explicaciones innecesarias; la historia se siente, se escucha y se vive a través de la adrenalina pura, los golpes secos, el rugido de los motores y una banda sonora de rock clásico que retumba en los huesos.
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Una venganza impulsada por el amor, la traición y la adrenalina pura
La trama de Motor City nos traslada directamente al corazón obrero y convulso del Detroit de la década de 1970. En este escenario desgastado, marcado por el humo de las fábricas y la música callejera, conocemos a John Miller, interpretado por un imponente Alan Ritchson. Miller es un hombre de la clase trabajadora, un romántico empedernido de pocas palabras pero de convicciones de hierro, cuya vida se descarrila por completo cuando se enamora perdidamente de Sophia, personaje encarnado por la talentosa Shailene Woodley. Sin embargo, este romance idílico cruza la línea roja de Reynolds, un despiadado y poderoso gánster local a quien da vida el polifacético Ben Foster, quien también reclama el amor de Sophia y no está dispuesto a perderla.
Cegado por los celos y el poder, Reynolds tiende una trampa maquiavélica para incriminar a John Miller en un crimen que no cometió. El resultado es devastador: Miller termina encarcelado durante años en una prisión de máxima seguridad, privado de su libertad, de su futuro y de la mujer que amaba. Durante su largo encierro, mientras Miller se fortalece física y mentalmente entre muros de hormigón, Reynolds y Sophia quedan atrapados en una relación tóxica, destructiva y cargada de excesos. Pero cuando las puertas de la celda finalmente se abren y John recupera la libertad, el exveterano no busca explicaciones ni segundas oportunidades. Solo tiene una misión grabada a fuego en su mente: la venganza más absoluta y despiadada contra el hombre que le arruinó la vida.
Lo que distingue a Motor City de cualquier otra película del género es la audacia con la que despliega su narrativa visual. En lugar de apoyarse en monólogos explicativos o escenas donde los personajes exponen verbalmente sus planes, el guionista Chad St. John ideó una historia donde el silencio cobra una fuerza descomunal.
Alan Ritchson rompe moldes con un héroe roto y desesperado
Para el público global, Alan Ritchson se ha convertido en el sinónimo indiscutible del héroe de acción moderno gracias a producciones de enorme éxito como la serie Reacher. Sin embargo, quienes esperen ver en Motor City una simple repetición de su icónico personaje invencible se llevarán una sorpresa fascinante. Mientras que en la pantalla chica interpreta a un tipo analítico, extremadamente confiado y en control absoluto de cada situación, como John Miller el actor explora matices dramáticos mucho más oscuros, vulnerables y desgarradores. Miller es un héroe de la clase obrera, un hombre profundamente magullado, desesperado y motivado por el dolor inconsolable de un corazón roto.
La preparación de Ritchson para asumir este reto fue total, no solo en la parte física sino también en la producción, donde ejerce como productor ejecutivo. Al no contar con grandes líneas de guion para comunicar sus intenciones, el actor tuvo que cargar todo el peso dramático en sus miradas, su lenguaje corporal y su presencia escénica. Las secuencias de combate no fueron diseñadas como coreografías estilizadas de artes marciales, sino como peleas brutales, caóticas y realistas donde el personaje sangra, sufre y lucha con garras y dientes por sobrevivir. La vestimentista Amy Roth diseñó para él ropa auténtica de la época, utilizando chaquetas de cuero con pliegues especiales y jeans flexibles de los años 70 para que pudiera realizar las escenas de acción sin perder el estilo característico del personaje.
La dirección visionaria de Potsy Ponciroli y el arte del cine cinético
Detrás de esta maquinaria cinematográfica se encuentra el director Potsy Ponciroli, aclamado por la crítica internacional tras dirigir el western Old Henry y la comedia negra Greedy People. Ponciroli abordó Motor City no como un mero ejercicio de estilo o un truco publicitario, sino como una verdadera experiencia sensorial inmersiva. El cineasta recuerda con entusiasmo el momento exacto en que leyó el guion y decidió tomar las riendas del proyecto, esa misma semana se reunió con Alan Ritchson y el acuerdo se cerró de inmediato.
Para Ponciroli, la ausencia de palabras habladas exigió un compromiso absoluto con la actuación sutil y el diseño de sonido.
Shailene Woodley y Ben Foster: actuaciones magnéticas en un triángulo amoroso letal
El reparto principal de Motor City se completa con dos de los talentos más versátiles y aclamados del cine contemporáneo: Shailene Woodley y Ben Foster. Woodley, conocida mundialmente por sus papeles protagónicos en la saga cinematográfica Divergent, la aclamada película The Fault in Our Stars y la exitosa serie de televisión Big Little Lies, asume aquí el papel de Sophia. Su personaje inicia como una mujer joven y luminosa, pero a medida que pasan los años bajo el dominio manipulador de Reynolds, su vida se desmorona hasta caer en las garras de la adicción y el aislamiento. Roth, la diseñadora de vestuario, se inspiró en íconos de la moda de los 70 como Farrah Fawcett para crear la evolución visual de Sophia, transitando desde vibrantes trajes bohemios hasta prendas de entrecasa y abrigos de piel que reflejan su prisión dorada.
Por su parte, Ben Foster ofrece una interpretación fascinante como Reynolds, un villano atípico, excéntrico y aterradoramente elegante. Foster, recordado por sus desgarradoras actuaciones en películas icónicas como Hell or High Water, Leave No Trace y 3:10 to Yuma, dotó a su personaje de una masculinidad fluida y ostentosa típica de la era disco. Para vestir a Reynolds, la producción recurrió a un famoso camisero de Los Ángeles para confeccionar camisas de seda con cuellos estilo mariposa, inspiradas en el famoso estilo de Burt Reynolds en los años 70, complementadas con botas de piel de lagarto y medallones de oro. La química tensa entre Woodley y Foster alcanza picos dramáticos inolvidables, como en una escena de cuatro minutos en un restaurante donde sus personajes logran reconciliarse y comunicarse sin articular una sola palabra.
La fotografía hipnótica y el diseño de producción que resucitan los años 70
En una película donde las palabras están ausentes, la cámara se convierte en el narrador principal de la historia. Esta responsabilidad recayó en el director de fotografía John Matysiak, quien ya había colaborado con Ponciroli en Old Henry y fue nominado por su trabajo en la aclamada serie de HBO Winning Time: The Rise of The Laker Dynasty. Matysiak utilizó una iluminación visceral y texturas de color profundamente saturadas, inspirándose tanto en la pintura realista Nighthawks de Edward Hopper como en la estética clásica de producciones como The Terminator, Blade Runner y los grandes clásicos del cine policíaco de los 70 como Bullitt y The French Connection.
El diseño de producción liderado por Mayne Berke logró transformar rincones de Nueva Jersey en un Detroit de 1970 sucio, vibrante y peligrosamente realista. Un ejemplo de la dedicación del equipo ocurrió durante la filmación de la emblemática escena del restaurante diner: al no encontrar un local clásico disponible, la producción alquiló un restaurante de la cadena Subway en funcionamiento, lo transformó por completo pintando sus paredes, montando mostradores retro y luces de época, filmó la secuencia crítica y lo restauró a su estado original al día siguiente. Asimismo, para las secuencias en la prisión, el equipo descubrió un presidio en desuso a punto de ser demolido en Nueva Jersey y pagó a la empresa constructora para detener la demolición durante un mes completo, logrando utilizar las instalaciones auténticas antes de su destrucción definitiva.
Jack White y una banda sonora salvaje de rock clásico que retumba en la pantalla
Si la imagen es el cuerpo de Motor City, la música es indiscutiblemente su alma pulsante. La película cuenta con la participación estelar del legendario músico Jack White, líder de la famosa banda de rock The White Stripes y nativo de Detroit. White no solo realiza una aparición cameo especial tocando el piano en el filme, sino que también ejerció como director musical y productor ejecutivo de la cinta, aportando su conocimiento profundo sobre la autenticidad cultural de la Ciudad del Motor.
La banda sonora de la película combina una partitura original envolvente compuesta por Steve Jablonsky con una selección impecable de grandes éxitos del rock, soul y disco de los años 70. Entre las canciones legendarias que acompañan los momentos de mayor tensión y acción del filme destacan temas inmortales como Cat People (Putting Out Fire) de David Bowie, el clásico atemporal The Chain de Fleetwood Mac —que suena de manera perfecta durante el impactante arresto de Miller—, la conmovedora Nights in White Satin de The Moody Blues durante una fuga carcelaria envuelta en llamas, además de temas icónicos de artistas como Bill Withers, Donna Summer, Al Stewart y Sniff ‘n’ the Tears. El editor y supervisor musical Joe Galdo relata cómo la música cobró vida durante el montaje: «Potsy and I were working at my house, and we were like, ‘A song would be really cool in here.’ He said, ‘Ben would always play this Bowie song, Cat People, on set. Let’s try that in there,’ and that’s how that one ended up in there.»
Coreografías brutales y escenas de acción rodadas con la máxima autenticidad
El diseño de las escenas de acción estuvo a cargo del veterano coordinador de dobles Doug Coleman, reconocido internacionalmente por su trabajo en producciones de gran escala como The Revenant, Captain America: Civil War y Cast Away. Coleman diseñó secuencias que se sienten extremadamente peligrosas, tangibles y reales, alejándose por completo de los efectos generados por computadora que abundan en los grandes taquillazos actuales.
Alan Ritchson realizó la inmensa mayoría de sus propias escenas de riesgo, colaborando estrechamente con el equipo de dobles para que cada golpe y cada caída mantuvieran el realismo dramático de la escena. Desde persecuciones de autos a alta velocidad por las avenidas de Detroit hasta brutales enfrentamientos cuerpo a cuerpo en tiroteos y peleas callejeras, la violencia en Motor City se presenta de forma directa, cruda y profundamente satisfactoria para los amantes del género de acción más puro.
El estreno que no te puedes perder en cines
Con su electrizante combinación de acción salvaje, narrativa visual innovadora y un reparto estelar en la cima de su carrera, Motor City se posiciona como el evento cinematográfico imprescindible de la temporada.
Prepárate para vivir esta montaña rusa de emociones porque el gran estreno comercial de Motor City llega a los cines de todo el país este próximo 24 de julio. No te pierdas la película de acción de la que todo el mundo estará hablando.
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Autor:
Mavi Gangi
