Febrero 28, 2019

11 películas extranjeras que hay que ver

11 películas extranjeras que hay que ver

El cine es un lenguaje universal. No importa de dónde provenga, ni cuál sea la nacionalidad de sus realizadores; siempre existirá esa cualidad humana que bien define al séptimo arte: la empatía. Dentro del cine contemporáneo, existen joyas audiovisuales que trascienden de época, de contexto e idioma. Estas son las 11 películas de lengua no inglesa que seguramente serán de tu interés.

  • El secreto de sus ojos (Dir: Juan José Campanella, 2009)

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Ricardo Darín y Soledad Villamizar en la película ‘El secreto de sus ojos’ del 2009.-

Basada en la novela La pregunta de sus ojos del escritor argentino Eduardo Sacheri, esta cinta del año 2009 concibe el perfecto balance entre el drama y el suspenso. El filme, además, es una coproducción argentino-española. Fue estrenada en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, y presentada más tarde en el Festival Internacional de Cine de Toronto.

En 1999, año que supone al tiempo presente, un agente de justicia retirado, soltero, despreocupado y sin mayores responsabilidades, decide escribir una novela sobre una investigación inconclusa que llevó a cabo hace 25 años atrás, y que radicó en el asesinato de una joven mujer. El filme cuenta con el recurso de los flashbacks, a fin de sumergir a la audiencia enteramente en el argumento de la película.

Campanella, quien ya había demostrado su peculiar estilo para conmover al espectador en películas como El hijo de la novia o Luna de Avellaneda, dio en el blanco con esta apasionante e impredecible historia, a partir del uso de la ironía y el melodrama. En la cinta argentina, no solo se exponen apreciaciones terrenales, como el concepto de justicia, el deseo, la muerte y el castigo; sino que, incluso, nos presenta una reflexión introspectiva sobre la pasión, esa que definirá al ser humano hasta su último día.

El secreto de sus ojos resultó ganadora del premio a la Mejor Película Extranjera, en la 82ª entrega de los Premios de la Academia, en el año 2010.

 

  1. Mommy (Dir: Xavier Dolan, 2014)

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Antonie Oliver Pilon, Anne Dorval y Xavier Dolan, en el set de ‘Mommy’ (2014).-

Mommy es, hasta la fecha, el filme más aclamado del cineasta canadiense, Xavier Dolan, también conocido como “el infante terrible” en vista de que, a pesar de contar con siete exitosos proyectos cinematográficos, no llega a los 30 años de edad. Esta cinta ganó el Premio del Jurado en la edición del Festival de Cannes del 2014 y, asimismo, fue la película seleccionada para representar a Canadá en los Premios Oscar del año siguiente, en la nominación de Mejor Película Extranjera.

Ambientada en una Canadá ficcional, se desarrolla una ley que permite a los padres ceder la custodia de sus hijos -con dificultades de aprendizaje, conducta o trastornos mentales-, a hospitales públicos, a fin de tratarlos psiquiátricamente. Diane se enfrenta ante la responsabilidad de criar a su hijo, quien padece de este trastorno.

Mommy nos presenta un formato visual bastante peculiar. Rompiendo con los convencionalismos del cine, el filme fue grabado en el formato cuadrado 1:1 que, a diferencia del usual 16:9 de película horizontal que se suele apreciar en el cine, la audiencia se adentra en el universo de los protagonistas, encerrados, en una especie de caja cuadrada que no les deja más sino reprimir sus emociones.

Más allá de ello, Dolan dirige brillantemente a los actores, para que la tensión de este drama, dé como resultado un fiel retrato al TDAH (Trastorno por déficit de atención con hiperactividad).

Todo esto, sumado a la banda sonora; la dirección de arte; y las geniales actuaciones de Antonie Oliver Pilon junto a Anne Dorval y Suzanne Clément, hacen de esta cinta, una de las piezas audiovisuales más interesantes de estos últimos años. Indudablemente, el trabajo de Dolan es algo a lo que hay que seguirle la pista.

 

  1. Una mujer fantástica (Dir: Sebastián Lelio, 2017)

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Daniela Vega interpretando a Marina Vidal, en la cinta chilena ‘Una mujer fantástica’ (2017).-

A pesar de los prejuicios que aún existen en Latinoamérica, en cuanto al tema de la diversidad sexual y a espectros de género se refiere, también es importante resaltar lo bueno que nace de la necesidad de contar una historia conmovedora, empática y visualmente contemplativa, sobre una mujer transgénero que debe enfrentarse a la familia de su novio recién fallecido.

El porqué se ha convertido en una de las mejores cintas de habla no inglesa de los últimos años, radica en el hecho de que se trata de una historia en que la identificación no se limita a un solo contexto, pues el tema del amor, el luto y el romance son conceptos universales.

 El empleo de la música como recurso narrativo hace que, junto al lenguaje cinematográfico, Una mujer fantástica transite entre el melodrama y el thriller, entre los conflictos de identidad y la capacidad de enfrentarse a situaciones que parecen imposibles, pero que, de una forma u otra, forman parte de la vida.

 

  1. Julieta (Dir: Pedro Almodóvar, 2016)

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Adriana Ugarte y Emma Suárez interpretan el mismo papel en ‘Julieta’ – Fuente: El País.-

El cineasta español regresa en 2016 con una propuesta visualmente fresca, pero que sigue conservando muchísimo de la esencia que lo caracteriza como realizador.

La película es un drama materno filial que nos cuenta la historia de Julieta, una mujer de mediana edad que, tras encontrarse con la mejor amiga de la infancia de su hija Antía, con quien no había tenido comunicación desde que esta cumplió los 18 años, abandona el curso normal de su vida y se embarca en una marea de recuerdos que transcribe en una carta dirigida a Antía, que no tarda demasiado en convertirse en un diario en el que plasma la historia de su vida.

Si bien la crítica tuvo comentarios muy diversos sobre esta cinta, es evidente la consolidación de un estilo maduro por parte del director español quien, a través de una narrativa escrita en pasado y en presente, cuenta con una esencia melodramática muy bien retratada por parte de los actores; presenta una serie de recursos visuales muy bien elaborados, y nos deja con la certeza de que aún queda mucho que ver del cineasta español.

  1. The Square (Dir: Ruben Östlund, 2017)

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 Terry Notary interpretando a Oleg, un personaje de ‘The Square’ (2017).-

 La sátira, el arte y las relaciones humanas son la premisa fundamental de The Square, una película sueca dirigida por el cineasta Ruben Östlund, y cuyo rodaje se realizó en Gotemburgo, Estocolmo y Berlín. La película presenta tres idiomas: sueco, danés e inglés.

La historia se centra en Christian, un director de un museo de arte contemporáneo, cuya última exposición pretende representar valores altruistas. No obstante, debido a una mala gestión publicitaria, la recepción se traduce en todo lo contrario, y más bien causa disgusto a sus espectadores.

La cinta, que fusiona ingeniosamente el drama y la comedia, resultó ganadora de la Palma de Oro del Festival de Cannes y recibió altas críticas a nivel internacional, gracias a las excelentes actuaciones de sus protagonistas, interpretados por Claes Bang, Elisabeth Moss y Dominic West; así como por su atrevimiento de ir más allá de lo políticamente correcto.

La película resulta hilarante, en vista de que deja en ridículo todo lo que conocemos por actualidad, y su acertada visión la hace una película indudablemente polémica, divertida y necesaria.

 

  1. La vie en rose (Dir: Oliver Dahan, 2007)

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Marion Cotillard interpretando a Edith Piaf en ‘La vie en rose’.-

La cinta francesa protagonizada por la ganadora del premio Oscar a la Mejor Actriz, Marion Cotillard, se trata de un drama biográfico que hace un recorrido por los años que conforman la historia de una de las cantantes más emblemáticas de toda la historia: Edith Piaf.

Si bien su título original en francés es La môme, gracias a un apodo de la infancia de la cantante en quien se basa el filme, la película es mundialmente conocida como el nombre del tema más conocido de la intérprete.

Es imposible no adentrarse en la cinta gracias a la inmensurable actuación de Marion Cotillard, quien se encargó de retratar la euforia, el desgarro y la ambición de la intérprete. Apoyada en una banda sonora que no solo contextualiza, sino traslada a la audiencia a la Francia de la primera mitad del siglo XX, La vie en rose refiere a una cinta biográfica inolvidable.

  1. Los coristas (Dir: Christophe Barratier, 2004)

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Gérard Jugnot interpreta a Clément Mathieu en ‘Los coristas’.-

Esta maravillosa historia, basada en el clásico La jaula de los ruiseñores de 1945, es una película francesa de drama estrenada el año 2004, escrita por Christophe Barratier y Philippe Lopes-Curval.

Les Choristes comienza con la presentación de un reconocido director de orquestas, a quien le informan que su madre había muerto antes del concierto que le había tocado presentar esa noche. Decide regresar a su país natal, Francia, para atender los servicios funerales. Una noche, es visitado por un viejo amigo del colegio, quien le entrega un diario que pertenecía a un viejo profesor de música, quien para aquel entonces, había sido contratado en un internado para niños con problemas de conducta,  institución donde ambos estudiaban. A través de la retrospectiva, se dan a conocer los acontecimientos de 50 años antes, a partir de la llegada del profesor.

La cinta brinda un espacio de reflexión sobre numerosos temas, desde el conocimiento introspectivo de la identidad, hasta los valores familiares que van más allá de los lazos sanguíneos. La vocación del protagonista con la música, y su convicción de que a través de ella puede educar a los niños, es sin lugar a dudas, una manifestación de amor no solo por la profesión, sino por el arte de cantar en sí mismo.

 

  1. 8. In the Mood for Love (Dir: Wong Kar-wai, 2000)

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 En 2016, ‘In the Mood for Love’ apareció en 2do lugar de la lista de la BBC de las mejores 100 películas del siglo XXI.-

Si algo nos quedó de Wong Kar-wai en 1997 con Happy Together, es que el cineasta de origen chino cree en el amor, como un elemento al que se le puede sacar mucho más que una típica historia de romance con final feliz.

Escrita, dirigida y producida por el director de cine hongkonés, la cinta cuyo título está traducido como Con ánimo de amar, desarrolla su ambientación en el año 1962.

Dos vecinos, un hombre y una mujer, tras numerosas sospechas de que sus correspondientes parejas los estaban engañando, entablan una relación para descubrir cómo habrá sido la sucesión de hechos que llevaron a sus parejas a la infidelidad. Sin embargo, su frecuente interacción comienza a unirlos, hasta darse cuenta de que comienzan a sentir algo mucho más fuerte el uno por el otro, pero se resisten a la tentación de también cometer adulterio.

Este filme es considerado, según los críticos, uno de los más influyentes de la historia del cine. Trasciende el argumento romántico a partir de su guion, absorto en un espíritu romántico que es evidente en cada pequeño detalle de la construcción visual de la cinta; su cinematografía va más allá de los convencionalismos, y se traduce en una entrega de eventos que vemos a la distancia, enmarcados en encuadres inmaculadamente elaborados.

  1. Cold War (Dir: Paweł Pawlikowski, 2018)

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Pawel Pawlikowski, director de la cinta, en el set de ‘Cold War’.-

El director de Ida (2012), cinta ganadora del Oscar a la Mejor Película Extranjera, compitió nuevamente con tres categorías, en la 91º entrega de los Premios de la Academia, por su más reciente proyecto, Cold War.

Esta película polaca es una de las joyas audiovisuales de Pawlikowski, quien, en diversas entrevistas, ha asegurado que el argumento de la cinta está basado en el romance de sus padres, siendo el filme un homenaje a ellos.

Justo a la mitad del siglo XX, un director de música busca talentos regionales, propios de Polonia, para establecer un show musical que incluya canto, danza e interpretación teatral. En ello, se enamora profundamente de una cantante y, con el transcurrir de los años, intenta persuadirla para huir de la Polonia comunista y resguardarse en Francia.

Protagonizada por Joanna Kulig, interpretando a Zula; y Tomasz Kot en el papel de Wiktor, Cold War sumerge a la audiencia en un contexto de 1950, aún en años de la postguerra, a través de una de las bandas sonoras mejor creadas en los últimos años, una cinematografía impecable como siempre y una concepción del amor que trasciende barreras físicas y espirituales.

  1. Shoplifters (Dir: Hirokazu Koreeda, 2018)

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 ‘Shoplifters’, cinta japonesa del realizador japonés Hirokazu Koreeda.-

Manbiki Kazoku es el título original de la cinta de Hirokazu Koreeda. Ganadora de la Palma de Oro en el Festival de Cannes, la cinta corresponde al género drama y crimen policíaco.

El argumento abarca a una familia no convencional, que decide secuestrar a una niña pequeña, a quien encontraron en la calle en una fría noche de febrero. Sin embargo, ninguno tiene realmente lazos sanguíneos o legales el uno con el otro, y aunque viven acostumbrados a robar para sobrellevar su pobreza, son felices hasta que su secreto sale a la luz.

La esencia de la película consiste en que está libre de prejuicios. Inmediatamente al comenzar la cinta, logramos empatizar con la posición en la que se encuentran los personajes en la gran pantalla. La audiencia se conmueve por la relación que existe entre esta familia no convencional, y a menudo se pregunta cómo se conocieron unos con otros, cosa que, en el transcurso del filme se descubre.

El filme recoge distintos aspectos que en conjunto definen la crisis, la pobreza y vivir al margen de la sociedad. A lo largo de la película, la audiencia se expone a las condiciones precarias y a las dificultades de alimentación, seguridad y atención médica; y, en la medida en que pueden, consiguen solucionar la mayor parte de sus problemas a través del robo.

  1. Los siete samuráis (Dir: Akira Kurosawa, 1954)

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 ‘Los siete samuráis’ toma lugar en Japón de 1586 y fue dirigida por Akira Kurosawa.-

La inclusión de esta cinta, a pesar de que corresponde a poco más de la mitad del siglo XX, radica en la universalidad de su contenido, a su popularidad y a su prestigio, incluso 65 años después de su estreno.

Los siete samuráis es considerada una de las más grandes películas de la historia, así como una de las más influyentes, siendo la inspiración de un gran número de películas occidentales dentro del género western.

Escrita por Akira Kurosawa, Shinobu Hashimoto y Hideo Oguni, Los siete samuráis fue rodada durante 148 días a lo largo de un año con un presupuesto de medio millón de dólares. Inicialmente, se pretendía filmar los pueblos campesinos en un estudio de cine, pero Kurosawa rechazó esta propuesta, pues quería reconstruir todo el set en Tagata, Honshu, la isla más grande y poblada de Japón. El mismo Kurosawa expresó: “La calidad del set influye en la calidad de las actuaciones de los actores”.

Ambientada en el siglo XVI, la cinta cuenta la historia de un poblado de escasos recursos, oprimido periódicamente por bandidos que asaltaban la villa, quemaban sus hogares y secuestraban a sus mujeres. Tras numerosos intentos de encontrar samuráis dispuestos a defender a la comunidad, uno de ellos consigue reunir a un grupo de siete valientes samuráis, quienes harán justicia por su gente.

La cinta de Kurosawa, a pesar de ser un largometraje de tres horas y media, consolida el género de aventura en un espectro que abriría las puertas a mucho de lo que se haría en el cine en los años siguientes.

Fuentes:

https://www.imdb.com/title/tt0047478/?ref_=nv_sr_1

https://www.bbc.com/mundo/noticias-46065676

Mommy de Xavier Dolan: retrato de una familia fragmentada

https://www.theatlantic.com/entertainment/archive/2018/11/shoplifters-review-cannes-winner-hirokazu-koreeda/577063/

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